DISPOSITIUS DE RESISTÈNCIA
Los artistas internacionales que participan en Dispositivos de resistencia, la exposición que presenta Lab 36, forman parte de la última promoción del Máster de Producción e Investigación Artística, en la línea Arte y Contextos Intermedia (2020-21) de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.
El título de la exposición invoca, por una parte, a la capacidad de adaptación a unas ciertas circunstancias, y por otro lado, hace referencia a un conjunto de obras desarrolladas en un tiempo suspendido en lo imprevisible de esta situación de parèntesis incierto. La pluralidad de las investigaciones artísticas presentadas revelan una gran diversidad de procesos de exploración de nuestra cotidianeidad y nuestro entorno con una mirada crítica al mundo.
ORGANIZA: Máster de Producción e Investigación Artística, línea Arte y Contextos Intermedia, Universidad de Barcelona en conjunto con Lab 36
DONNY AHUMADA POBLETE - Chile, 1986
El MACBA como centro de reunión
Libro de artista
6 x 21.5 cm Desplegado 29.7 x 64.9 cm
Edición que forma parte del proyecto ‘Tres ejercicios de espacio. Miradas a los espacios de reunión”, y que por medio de un recorrido por Barcelona, recoge diferentes formas de capturar los espacios de la ciudad en los cuales surge espontánea y recurrentemente la reunión en condiciones adversas, restricciones de desplazamiento y reducción de las actividades recreativas.
Es un libro desplegable que recopila a modo de síntesis, y desde la explanada del MACBA, tres maneras de ver el espacio que resultan del ejercicio de salir a observar y dibujar como acontece la reunión a través de 3 dimensiones diferentes: los objetos, la huella y el espacio o ámbito.
Donny Ahumada Poblete, diseñador y artísta chileno, estudia al alero del pensamiento de la Escuela de Arquitectura y Diseño de la Ponticia Universidad Católica de Valparaíso. Participa en la docencia como profesor en diferentes asignaturas y ha trabajado en proyectos de investigación de la mencionada escuela. Colabora como diseñador para la Fundación Alberto Cruz Covarrubias. Durante abril de 2017 y mayo de 2018, realiza una investigación en torno al ocio textil en las escuelas técnico-profesionales de Santiago de Chile, el cual culmina con una serie de obras artísticas expuestas en el Palacio Cousiño.
Su línea de investigación se centra en el estudio de la originación del proceso creativo, considerándolo como una capacidad universal, necesaria en el desarrollo de procesos que impliquen un diálogo entre un propósito mental y su materialización.
SALUA ARCONADA - Burgos
Llegandum, 2021
Instalación
Hierro, acero y zinc plegados
8 piezas de medidas variables (60 - 120 cm de largo x 10 cm de ancho)
Llegandum reflexiona acerca del concepto de «llegar».
La Relación de indeterminación de Heisenberg establece la imposibilidad de que determinados pares de magnitudes físicas observables de un objeto dado (como son la posición y el movimiento lineal), sean conocidas con precisión arbitraria. El gerundio inventado para titular la obra ya nos indica que todo evento sucede en un presente continuo.
En otras palabras, cuanta mayor certeza se busca en determinar la posición, menos se conoce su momento lineal.
Nacida en Burgos (España). Licenciada en Ciencias Sociales y de la Información por la Universidad del País Vasco. Grado de Bellas Artes y Máster en Producción e Investigación artística en la Universidad de Barcelona. Ha residido en diferentes países, donde re-orientó sus intereses profesionales hacia diversos campos del arte con un postgrado en Mercado internacional de Arte en el “Institut D´Études Supérieures des Arts” (L´IESA) y formación en anticuariado con Daniel Cohen (Sale de Ventes D´Stora y Antiquités Comte) ambos en París. Durante años ha regentado talleres de restauración en La Haya y Dijón.
Análogamente comenzó a desarrollar su práctica artística centrada en la asimetría temporal, la experiencia subjetiva del tiempo y la relación difusa del individuo moderno con el tiempo cronológico y lineal, conectando su trabajo con campos como la física, la neurociencia o la psicología. Es en este ámbito en el que se centran sus investigaciones, tanto en la obra personal como en el análisis teórico de la temporalidad como condición crítica en el arte contemporáneo.
Ha realizado dos exposiciones individuales y participado en numerosas exposiciones colectivas y festivales. Tiene obra en colecciones particulares.
Actualmente vive y trabaja en Barcelona.
ADRIÀ GAMERO CASELLAS - Olot, Girona, 1988
La foto (WhatsApp Imatge 2019-02-07 at 15.14.18)
Dibujo
Lápiz sobre papel Gvarro milimetrado
80 x 93 cm
Este proyecto es una búsqueda sobre la incidencia que tienen las imágenes en el momento que estas pierden contacto con la realidad. Me centro en las imágenes digitales provenientes de la esfera virtual, causantes de un cambio en nuestra concepción y experiencia de lo real. Las pantallas provocan una experiencia en diferido donde el mundo es sustituido por los signos de este, lo que Baudrillard nombra como hiperrealidad.
En este espacio virtual es de donde recupero las imágenes que reconstruyo utilizando técnicas analógicas, como el dibujo, el libro de artista o la construcción de dioramas, para devolverlas al mundo físico. En el proceso de dotar de una nueva materialidad a estas imágenes afloran a la superficie sus estructuras, se hace visible cómo se formulan y su naturaleza ficticia.
Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, en el año 2016. Vivo y trabajo entre Barcelona y Olot, desde donde realizo mi producción artística en torno a la imagen y las técnicas de reproducción de estas; mediante dibujos, grabados, maquetas y pinturas. Actualmente centro mi trabajo en las formas cómo construimos y consumimos las imágenes, y el cambio que éstas provocan en nuestra percepción. Mis obras han sido expuestas en espacios como el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, la Sala Parés, la Galería Esther Montoriol, la Fundación Vila Casas, la Fundación Felícia Fuster, el Centro de Arte Maristany, el Centro Cultural La Mercè de Girona , el Tsukuba Museum of Art, Ibaraki y el Acdademia di Belle Arti di Bologna, Bolonia, entre otros. También he podido disfrutar de una residencia en Fabra i Coats, fábrica de creación; a Tinta Invisible Ediciones; y de las becas para la formación de la Fundación Pilar y Joan Miró de Mallorca.
OSCAR GARTÍN - Roses, Girona, 1982
Proyecto 1, M1 y M2, 2021
Técnica mixta (manta sobre estructura de madera )
151 x 100 cm
Realizo mi actividad a través de la acción del desplazamiento, un término del que me apropio en su sentido más amplio, para la conversión en mis procesos. A través de la modificación, articulo una serie de acciones donde emergen las distintas áreas y categorías abstractas que prevalecen en el proceso creativo de la obra.
Utilizo el desplazamiento no sólo como acción misma sobre el material, sino también como concepto, utilizando esa acción como desplazamiento del estado, la forma y el contexto de los diferentes materiales con los que trabajo. Una práctica artística que cuestiona el propio resultado de las piezas, desplazando los límites de la obra a través de la interacción entre los diferentes materiales. Esto me permite transitar entre diferentes expresiones artísticas, produciendo continuas mutaciones que acaban en una manifestación híbrida entre la instalación, la pintura y la escultura.Nací en Roses en 1982. Cursé el grado de Artes y Diseño en la Escola Massana, el cual finalicé en el 2017 y en la actualidad acabo de realizar el máster de producción y investigación artística en la UB. La producción de mi obra parte de una práctica artística desde la realidad que me rodea. Trabajo en diferentes lenguajes visuales. Realizo mi actividad a través de la acción del desplazamiento, un término del que me apropio en su sentido más amplio, para la conversión en mis procesos. A través de la modificación, articula una serie de acciones donde emergen las distintas áreas y categorías abstractas que prevalecen en el proceso creativo de mi obra. En el ámbito formal de mi trabajo podemos observar una clara intención de no conformarme con el simple lienzo. Busco romper con éste y crear nuevos lenguajes de expresión a través de diferentes usos de la tela u otros materiales. Desde las más tradicionales técnicas como pueden ser el óleo o el acrílico, a romper lienzos, coserlos, utilizar transfers, sprays y nuevas formas de representación. Siempre estoy en una búsqueda constante para añadir a la obra una nueva estética.
FELIPE GARCÍA SALAZAR
Bogotá, Colombia, 1986
Manifiesto y ruina, 2021
Hierro, ladrillo y pintura
20 x 24 x 20 cm
Serie de esculturas de pequeño formato realizadas a través de la yuxtaposición de elementos como el ladrillo y el hierro. Estos ladrillos son restos del derribo masivo de edificios en la ciudad de Barcelona. Las piezas fueron creadas con el objetivo de reproducir estructuras minimalistas de la arquitectura de la ciudad, de esta manera se crearon bases de hierro de una manera que transforma cada ladrillo y le da una identidad, crea un personaje en sí mismo.
Sin embargo, esta caracterización no celebra ninguna personalidad específica del pasado. Son antimonumentos para historias que han quedado atrás: el espectador sólo puede tratar de adivinar infructuosamente qué tipo de homenaje podría devolver este monumento en ruinas. Ante estas piezas de edificios derribados, no se impone ningún juicio moral ni se espera que el espectador tenga una comprensión peculiar de los procesos de renovación que afectan a la ciudad. La obra, en cambio, pretende ser formulada como pregunta: ¿Cuáles son estos mensajes que no llegamos a descifrar?
¿Qué nos dicen estas ruinas del pasado, en la construcción de futuro?
Felipe García Salazar, artista visual y gestor cultural, graduado de la School of Visual Arts de Nueva York y actualmente cursando el Màster en Producció i Recerca Artística de la Universitat de Barcelona. Su trabajo explora de manera autobiográfica su relación con el tiempo, la historia y su propia identidad. A partir de la instalación, Felipe busca crear espacios de pensamiento y diálogo con el espectador, que invitan a reflexionar sobre el status quo contemporáneo y lo que entendemos como realidad. Felipe García Salazar ha expuesto su trabajo en exposiciones individuales y colectivas incluyendo Mollet Art 2021 – Museo Abello, Primal Distance – Looking Forward Londres / Sant Andreu Contemporani, Muestra Arte Joven La Rioja. – ESDIR – La Rioja, Art Emergent Sabadell – Acadèmia de Belles Arts, Sabadell, Traslación – Galería Peña, Buenos Aires, Argentina, Crossover – Western Gallery, Washington, USA, Minders – Visual Arts Gallery, Nueva York, USA, Octet – Pera Museum, Estambul, Turquía, Lo Mejor que Podemos – Embajada de Colombia en Buenos Aires – Argentina, Mixtape – Visual Arts Gallery Nueva York, USA, entre otras.
ANDRIA NICOLAOU - Lemesos, Chipre, 1992
Estudios de luz: registros lumínicos, 2021
Vídeo. 2 ́4”
La pieza trata acerca de percibir la información que tiene el espacio vacío, observar una pared blanca exterior y dar valor a lo invisible, a lo imperceptible a través de la luz natural.
Una luz que cambia el espacio, que cambia los colores de una superficie que existe invisiblemente en ese espacio. Analizando la información de una pared anodina y observando lo que hay en el vacío, cambia la percepción de ese espacio, de esa luz. Esa luz proyectada cambia el espacio y crea una realidad delicada. La luz y todo el espectro de colores que esconde pueden crear un espacio, transformarlo, deshacer su materialidad y existir en la percepción de la realidad paralela que ofrece.
Esta pieza es el estudio de la información y de los colores que tiene la luz en un espacio vacío durante 12 h.
Artista multimedia y VJ, nacida en Chipre, la artista ha cursado estudios en Florencia, Venecia y Minneapolis, acabando el grado en Bellas Artes en la Academia de Bellas Artes de Florencia.
Sus proyectos quieren explorar el cambio de la percepción que tenemos de un espacio creando nuevas realidades y nuevos mundos visuales, virtuales y sonoros, buscando la relación que tiene la luz, las proyecciones, la imagen, el sonido y otras herramientas con el espacio, la obra de arte y el cuerpo. Sus proyectos a menudo tienen un carácter site- specific, multidisciplinario y colaborativo que experimentan nuevos lenguajes y nuevas realidades artísticas. Actualmente vive en Barcelona y acaba el Máster de Producción y Investigación Artística en la Universidad de Barcelona.
Las paredes hablan, 2021
ROMINA PEZZIA - Lima, Perú, 1988
Bordado a mano sobre tela de organza blanca, hilo y alfileres
84 x 119 cm
Esta investigación utiliza como base y fundamento la vivienda, para entender cómo las relaciones funcionales y características formales de los espacios que habitamos, determinan nuestro comportamiento y forma de actuar en el mundo. En Las paredes hablan (2021), aparecen bordados y superpuestos cuatro planos de viviendas habitadas. En ellos han sido colocadas unas etiquetas con las memorias del habitar aquellos espacios. Las frases representan recuerdos de situaciones y elementos comunes a todas las casas, por lo que sostenerlas con un alfiler permite moverlas de lugar y hacer viajes en el tiempo. Esta obra, que utiliza la memoria, es otra manera de explicar el diagrama del habitar.
Romina Pezzia (Lima, Perú. 1988) es arquitecta por la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas, ha trabajado como tal por diez años y lleva cinco de ellos como docente en la Facultad de Arquitectura de la misma universidad. Paralelamente ha desarrollado su práctica artística, enfocada en el habitar en el ámbito público con perspectiva de género. Actualmente, cursa el Máster Producción e Investigación Artística (PRODART, 2020-2021) de la Universidad de Barcelona, donde sigue desarrollando a mayor profundidad el tema del habitar, esta vez en el ámbito privado, desde la unidad de la vivienda.
SERGIO QUIROGA - Bogotá, Colombia 1993
Errante, cansado, entusiasta, fatalista, 2021
Técnica mixta
Serie 4 dibujos
Medidas variables
La recopilación de situaciones/instantes es tal vez la manera más sencilla de hablar de ellas, Desde el material, o el concepto mismo, es aquella forma que puede convertirse o tomar el espacio de otro sin importar su estructura o material para dar significado, hace referencia a su vez a una infinidad de posibilidades que son capaces de adoptar diversos formatos (lenguajes) dependiendo el contexto.
GABRIEL TONDREAU - Santiago de Chile, 1989
Pareidolia trash, 2021
Óleo sobre tela
100x80cm
Fotografías - Serie Pereidolia Trash (2021)
40x30cm
La serie ‘Pareidolia trash’ habla por medio de la pintura, dibujos y elementos de pequeño formato, sobre diferentes asociaciones estéticas como un proceso infinito, que a su vez es el motor del hacer. Estas piezas destacan la huella del trabajo humano, el vestigio y el encuentro fortuito.
Gabriel Tondreau Geisse, Santiago de Chile (1989) Licenciado en Artes Visuales U. Finis Terrae 2014, erradicado en Barcelona desde 2017. Director visual y cofundador de la compañía «Ni desnudo ni bajando la escalera» 2015-21.
Màster en Producció i Recerca Artística Universidad de Barcelona 20-21.
Entiendo la práctica artística como un ensayo permanente, donde se corren riesgos, se revisan y se ajustan constantemente asuntos pertinentes a la composición, al color, la temática y a las diversas materialidades de una manera cíclica. El mayor aprendizaje que he tenido este último tiempo es el desapego a una sola disciplina. Existen una infinidad de medios para llevar a cabo una idea, un concepto y la diversidad de técnicas colaboran a que este se manifieste de manera multilateral, cubriendo un espectro más amplio en cuanto a la comunicación de una idea y al desarrollo de una poética.
YING YE - Fujian, China, 1992
That period of time, 2021
Video. Duración 1 ́57 ́ ́
La experiencia de la pandemia y el confinamiento ha cambiado nuestra percepción del tiempo y el espacio. Me sentí muy deprimida en el aislamiento y al mismo tiempo, me volví incapacitada para el mundo exterior. Decidí entonces sellar esa experiencia espacio- temporal encerrándola un envase de vidrio en el que grabé mi lucha y lo congelé. Pero posiblemente morirá. Ese recipiente de vidrio encierra un cambio en un espacio y un tiempo limitados. El tiempo se estanca en un espacio estrecho, percibo su velocidad alterada y me molesta la inutilidad de mi inacción.